本帖最后由 shimizuriku 于 2014-5-9 15:29 编辑

呵呵 为吸引大家眼球把题目改得刺激一些…… 其实看了也未必能过高级……
就像本文作者说的那样 多看教程+多多练习才能出好片 而且多练手是最关键的
从色影无忌转的 图应该能看到吧 挂图的话告诉我一声
本文是这位作者全部文章的第四部分 讲构图的 有爱的可以看看他的全部章节 我觉得写得挺好的 链接在最后面


*Tony Hoffer作品：雪花

I. 摄影构图“三原则”

但凡涉及到任何视觉上的艺术，都逃脱不了对于构图的掌控。这个概念虽然不难理解，却十分纠结，很难用严格的定义和规则去约束它，因为很多关于艺术性的创造都来自于它，或者进一步来说，源于摄影者自己的观察力。因此，构图其实就是通过取景器来表现摄影师自身观察视角的一种形式。虽然对于其他艺术形式而言，比如绘画或者雕塑，构图可以由简入繁，也可以化繁为简，但是对于摄影而言，情况却要明朗而直接得多，那就是，

摄影构图，大都是从小处着眼，简洁为主，一张图片表达一个主题，所有与主题无关的旁枝末节应该能省则省，而任何对主题产生视觉干扰的元素都应该予以彻底消灭。

上述这段就是我个人对摄影构图的理解，从本质上来说，突出了以下三个方面，非常重要，它们分别是：

１.　出发点要小，这个小不一定是指你将要描述或者拍摄的对象很渺小，而是你的主题组成要小。比如你要拍摄一列仪仗队的军人，那么你的构图就可能会有下面主流的两种形式：

（１）如果你的小主题是定义在某个特殊的军人身上，那么就应该大光圈，浅景深的去表现，而把该位军人前后左右的其他人物统统放在焦外来映衬，来体现出一种下面要介绍的“图案”（pattern)式的构图。
（２）如果你的小主题是定义在这一列军人身上，那么你所要采用的构图很可能是把这一列人物表现为一种下面要介绍的视觉引导线（leading lines)去表现，而不再是去表达其中的某一个。你最后的图片可能是一个空旷的大背景下，你从上而下的拍摄出一列细长的正在行进中的军人队伍。

所以，不管是构图（１）还是构图（２），读者所必须理解的是，你构图的主题要相当地明确，而且这个主题在整个画幅的“内容”当中是很单一，很小的。

２.　你的构图应当是尽量简洁的。在这篇文章开始的时候，有一幅Tony Hoffer的“雪花”作品。我相信，很多人都拍过雪景，但是我更相信没有几个人能够拍出Tony那样的意境和美感。为什么？是因为他拍的雪特别吗？是他所处的环境很特殊吗？都不是。他所采用的是一种上面刚讲到的，小处着眼和简洁构图的组合。他只专注在车窗前的那一小段雪花，而把背景的天空放得及其地大，大倒几乎占据了８０％的画幅，但是却从来不会让观众对他要表达的主题是天空还是雪花产生困扰。因为他通过明确的色彩对比，大小对比，明暗对比以及对焦和失焦之间的对比，把主题凸显了出来。试想一下，如果它采用更小的光圈来扩大景深，然后让更多的雪花，包括车窗和外面的树木都很清晰地表现出来，就会大大削弱这种视觉上的冲击力，而这种削弱的手法正是许多初学者和一般摄影师所可能采用的。因此，简洁的构图是个极为重要的前提，它的目标是让画面变得简单直接，但是要做到这点往往却十分困难，因为很多摄影者从来都本能潜意识般地要把画面变得极其复杂。从这个意义上来说，初学者学习构图，要克服的最大障碍，以及学习的最重要的目标之一，就是如何先将自己的照片主题化繁为简！

３.　你的构图应该是尽量干净而没有许多旁枝末节的干扰。这个要诀在风光摄影中体现得尤其明显，很多初学者或者一些普通的专业摄影师，他们都知道画面构图的重要性，却往往只关注画面中心的主题部分，而忽略倒画面边角处的一些细节的杂物，导致整个画面里充斥着一些干扰视觉的元素。而另一方面，在不同的题材面前，构图的把握娴熟程度往往对于初学者而言，差别极其明显。我相信，很多摄影者，不管拍摄水平和经验如何，去展会拍个车模啥的问题都不是很大，也容易出一些“个人”认为“不错”的片子，因为主题明确而单一。但是，如果让他们去拍一个国庆游行，估计就很难拍出令人耳目一新的片子，甚至有的连像样的片子都很难拍得出来。因为对于游行来说，你的主题定位在哪里，你在现场一时半会是意识不到的，一切都在随时间快速发展着，移动着，就算你忽然发觉有个闪光的题材要去捕捉，你也往往反应不过来去如何表现，如何构图，更不要提你是不是能够在取景器里注意到边角有没有干扰你这个主题的元素了。所以，不同的题材下，你对构图的认识和把握往往会差得很远，这也是为什么很多优秀的风光摄影师无法胜任拍摄人像任务的原因。从而读者必须要意识到，练习构图不但有空间上的苛求，更有时间上的压力，只有在两种情况下完美结合起来，才能拍摄出令人眼前一亮的片子。

我再重申一遍，上述三点是摄影构图当中最为重要的原则，建议读者一定要深刻理解并融汇在自己的潜意识思想当中，因为这是任何构图实用技巧的根本前提。离开这些原则，再好再实用的技巧，也难以帮你拍摄出具有视觉冲击力的个性照片。

II. 摄影构图“五个基本技巧”

在理解了上述三个原则之后，所有的构图书籍都会介绍５个摄影基本技巧，也是我在这个系列文章的开篇序言里提到的，它们分别是：

1. Rules of Thirds (三分法）
2. Leading Lines (视觉引导线）
3. Filling The Frame （填充框架）
4. Patterns (图案模式）
5. Using Frames （利用框架）

这５个基本技巧，很多人都知道，不管是在网上的教程还是面世的书籍里，老调长谈地唠叨了无数便，但据我所知，这５个要诀虽然简单，路人皆知，但是真正学通并能融会贯通的人并不多，这也是为什么很多初学者甚至学了很长一段时间的摄影者，先不要说有没有拍出惊艳的片子，很大程度上，连一些基本常规的片子都没有拍到位。因此，不是我想在这里填充些篇幅来给读者炒冷饭，而是想帮助所有已经了解或者学习过构图的读者，对上述这５个最基本的要诀进行更为深刻的一番认识和理解。

首先说说三分法，这个是摄影构图中最基本，最重要的技巧。受Tony Hoffer和Ben Chrisman的影响，我个人摄影的追求主要着眼于别致的构图来体现出自己片子的个性，按我的理解来说，我很少会把照片的主体安置在画面的中央。因此，无论读者是否已经了解三分法或者对其有一定的意识，首先要做到的就是勇于把主体挪离中央，然后以三分为线，进行构图。这一步很容易，很多人都能在看完这个要诀之后，１分钟内就能掌握。但这个要诀最具杀伤力的地方，并不是在字面意义上理解的三分之处，而是在三分之外！！！很多读者手上的数码单反相机，不管什么牌子，有的可以在取景器里就显示三分网格线，有的则不能，只能通过live view (实时取景）的时候才能显示。按照我在第一篇中的建议，读者应该尽量打开网格线来帮助构图，因此很大程度上，许多初学者会刻意地把人物或者拍摄的事物去放在网格线的三分交点上。这个并没有什么原则性的错误，它会让你的片子看起来摆脱庸俗的中央构图，而体现出一定的视觉美感，但也仅此而已。要凸显出一些与众不同的个性，读者更要逐步去学习如何把主体移出三分以外。请看下面这幅Hoffer的作品。


*Tony Hoffer作品“灯火阑珊”

这张照片的亮点，很直观的表现了我们以上提到的三个基本原则，小主题，简洁性和单一性。同时，在技法上，Hoffer并没有太大的突破，他仅仅把人物安置到了正下方的三分之一以下。而上面的三分之二，统统是单调的黑色背景。这种刻意把主体缩小到三分之一以外的手法，往往能够极大地增强视觉的冲击力，过目难忘。凭借这点，我类似的拍出了下面这张样片，在上一篇的后处理当中曾经展示过：


*SILENTWINGS样片"树林深处”

同样地，如果使用类似的技巧，而把人物主体安置到右边的三分之一以外，就能够拍摄出下面这幅样片：


*Cliff Mautner样片


关于视觉引导线，很多摄影师也许很容易关注到道路的延伸，河流的蜿蜒等等，却很少关注到一些细节处的引导，比如下面这幅作品，它所体现出来的地标是极为常见的，但是这样的创意和构图，你是否想到过呢？


*Jerry Ghionis作品

换言之，读者应该从这个“引导”的角度出发，寻找身边一切有助于引导观众视线来聚焦于你照片主体的事物，进行合理的构图。这些事物，往往并不起眼，更有可能只有从某种角度上才能构成这种特殊的功效，对于这点，我不得不遗憾地说，没有现成可用的技巧可以帮助读者迅速突破常规，只有靠读者自己刻意地去发掘和锻炼。

填充框架这个技巧，其实有着很大的灵活度。从字面上来说，它要求摄影师把主体和周边有助于表现主体的东西充满整个画面，而不要留下无谓的空间。但是，从上面的大师作品，我们可以看到，主体可以变得非常渺小，以致有时几乎快要被挤出画面，而用大片的单色或者背景来填充。这在一定程度上表明，所有的技巧都不是一成不变的，在掌握这些技巧的基础上，更要“审时度势”地勇于突破来凸显个性。请初学者千万要注意的是，我在提到这点的时候，强调的有2点：

1. 一定要在充分理解并掌握这些技巧的基础上
2. 一定要在合适的情况下来突破

如果读者从来没有真正掌握这样的基本技巧，而只是一味地留下无谓的空白来自以为是地认为是突出个性，那就容易误入歧途，拍出构图糟糕，内容不知所云的片子，请特别注意！！！

关于图案模式，也是个十分实用的技巧，尤其是在拍摄环境作品的时候，比如下面这幅Hoffer的作品，环境上来说太常见了，人人都能拍，但是有经验的大师就擅长从平凡的事物背景中发掘出有趣的图案来填充在整个画幅里，让主体人物格外显眼而突出。


*Tony Hoffer作品

同样地，运用类似的技巧，可以很容易拍出这样的人像片：



*SILENTWINGS样片

这两张样片表现的都是“视觉引导线”和“图案”模式的组合，十分简单却很有效。

最后谈下如何利用框架。一个实用性的技巧就是利用现成的物体框架来对主体进行约束构图，比如下面这张hoffer的作品:


*Tony Hoffer作品

这种通过寻找物体去创造性地框住事物或者人物主体的方法非常实用，比如你下次给你的同事或者朋友拍情侣照，你可以把他们带到街上，让他们站在一个商业街，你进入商场之中，透过商场的透明玻璃门或者玻璃橱窗向外拍，把这些门或者窗子作为一个“相框”来框住这对情侣，会起到意外的效果。

通过上述的简要介绍和一些实用技巧建议，我想要告诉读者的是，构图看似毫无章法技巧可言，却有规律可寻，难的是如何在实战中用敏锐的双眼去观察，并立刻选择合适的构图来表现你的主题。生搬硬套的使用绝对不会起到理性的效果，只有通过大量的拍摄，总结和反思，才能融会贯通，临场从容应对，拍出震撼眼球的好片。

III. 摄影构图大师实战技巧

在本篇的第三部分，我要介绍一些主流摄影书籍和教程未曾总结和介绍过的技巧。当读者能够真正把握上面第二部分的基本技巧之后，再来有意识地将下面这些技巧补充进去，定能使自己的片子锦上添花，个性十足。对于这个所谓的“大师特殊技巧”，一般而言，要运用起来需要很多临场的经验，运用不当的话，拍出的片子会异常“畸形”，因此一定要在掌握基本技巧的基础上，通过不断锻炼拍摄和总结来学习和掌握。也正是由于这种特殊性，我想更多地直接通过实例来展示，所谓“一图胜千言”，不是我不想按照以前的风格给初学者和想进一步提高摄影技术的读者提供更为简洁和直观的方法，而是这些特殊技巧实在很难约定俗成地去让读者去套用。每个人大脑里能装的东西很有限，意识流的反应也有极限，博闻强识太多东西，往往反而会造成“邯郸学步”的尴尬境地。因此，虽然我这么做表现得似乎有些“只可意会，不可言传”的神秘，但是我所能做的确实也只有最大程度上的归纳出一些基本的条条框框来引导读者，一步步从入门到走向成熟。

1. 敢于把事物无限放大，也要敢于把事物无限缩小。这个不用多说，参考下面两张hoffer的作品，读者就明白了。



*Tony Hoffer作品

2. 敢于尝试不同的视角去表现同样的主题。

人像大师Cliff Mautner在总结自己拍摄人像的经验时曾经说过，他喜欢把照相机当做是一艘太空飞船，在创作的空间里左右上下不停地摇摆，通过不同的视角去看待同样的一个事物。很多初学者和一般的摄影师往往会把自己构图的视角设计成单一的水平和垂直，却很少敢于或者知道怎么样才能让自己的构图稍稍”好看一点“。我在上一篇数码暗房后处理中的视频演示里，曾经提到过关于倾斜视角里的”elegent angle"(优雅视角），也就是有意识地将主体向左或者右倾斜30～45度之间来产生一定的视觉冲击。同样地，很多人拍摄，永远只会站立着用自己平行的视角去拍摄所有的事物，这样就很难表现出不一样的个性和独特的视角来。作为一个有创造性和敏感性的摄影师，你必须敢于在任何情况下都能或站或爬，或蹲或躺地进行拍摄。我曾经看到很多婚礼摄影师，穿得十分体面地去拍摄婚礼现场，却从来怕弄脏或者弄折自己的衣裤，甚至连蹲下拍摄都不愿意，其拍出的片子自然乏善可陈。要表现出不同的视角，任何摄影师都要勇敢地趴在肮脏的地面，或者勇敢地爬上有些高度的树木（当然前提是你会爬，同事千万要注意安全），来完成超越寻常的构图。我本人虽不经常爬树，却一直从不排斥在恶劣的环境中趴下或者躺下拍摄。当然，如果读者有所顾及，可以像我一样，在户外拍摄的话，选定一套自己的“工作服”，我个人的选择是，以轻便，耐磨为优先，因此我的搭配是，阿迪达斯的运动装，配上里维斯的休闲牛仔裤，下面是纽巴伦的运动跑鞋，加上一顶棒球帽或者圆边帽就可以了。特别要注意的是，摄影师千万不要戴着“墨镜”去户外拍摄，理由很简单，墨镜会让你无法判断环境光的情况，而光线是摄影最重要的元素，因此，无论在任何情况下，都不能戴墨镜进行拍摄！！！这点非常重要。




*Tony Hoffer作品，分别体现了从下到上，和从上而下的不同视角表现手法。

最后再强调一次，摄影师要抛开对环境的顾虑，同时也要努力让拍摄的对象消除对环境的顾虑，比如上面第三张，hoffer拍摄的是一个小男孩坐在一个”肮脏“的盛满过泥土的木桶，正是这种”非常“的环境，才进一步引发观众对于摄影师巧妙构思的无限赞叹。

3. 要敢于利用一切不起眼的事物来创造和发挥。同样地，hoffer在这个技巧上，发挥到了一种极致，任何身边的小小事物都能拿来运用，起到非同寻常的效果，比如下面这个漂浮在河岸边的废酒瓶。


*Tony Hoffer作品

4. 要敢于在构图中创造性的留出空白。比如前面我们看到的hoffer作品，用黑色的夜晚环境来充斥大部分的画面，以及下面这幅，用一个手臂来仅仅填充一半的画面：


*Tony Hoffer作品

5. 要敢于利用倒影来进行创作。


* Cliff Mautner作品


*SILENTWINGS样片”蝴蝶夫人“

以上这5条就是我从事摄影以来总结出来最为实用的一些特殊的规律和技巧，虽然相比于摄影的其他部分而言，显得有些宽泛而不够明确，但构图是一个艺术创造的过程，个性和视角的独特性和唯一性，使得一千个人眼里会有一千个哈姆雷特，我所能建议的终极目标就是希望读者能够在理解并掌握基本构图技能的基础上，去多多参详和鉴赏一些真正大师的作品，不断咀嚼，不断研习，才能练就自己的一双”火眼金睛“。

在本文结尾之际，我还想特别指出一个问题，就是关于摄影作品的赏析和学习。我明白，很多读者可能大多数接触到的就是一些国内网络上或者论坛里贴出的图片或者资料，尽管基数极为庞大，但是质量普遍不高，即使许多推荐的作品，也可能因为推荐人个人的口味和赏析能力而参差不齐。可以说，大多数作品，无论从内容还是从技法上来说，都比较单一而乏善可陈，对于帮助读者积累素材和提高技能，用处甚小。当今国内的普遍摄影水准跟西方国家相比，已经被甩出落后得很多，我十分建议读者能够走出狭小的国内摄影圈子，跳出矮小的井口，去努力寻找更多更好的国外教程和国外摄影大师的作品来仔细揣摩和学习，这样才能形成有益的积累，跳出现在单一呆板的摄影思维模式。正如我在序言里提到过的那样，比如拍个人像，可以说很多读者能够被推荐观赏的，都是一些浓妆艳抹，身材魔鬼，工作室灯光猛打的那些”职业模特“片，甚至很多皮肤都磨得一尘不染。对于这种题材的片子，打动人心的不过是模特自身的素质或者姿势，但是对于大多数摄影者而言，毫无学习和鉴赏的价值，因为只要有条件请到这样的模特，化妆师和灯光师，加上后处理套件，任何人都能在练习一阵之后都能毫无困难地拍摄，没有独立的个性和技巧性可言。这样的片子作为杂志消遣可以阅览一下，对摄影技法的提高是没有太大帮助的。读者要提高摄影技巧和积累经验，首先就要找到真正值得鉴赏和学习的片子，这些片子一般有以下一些特征：

1. 主体是一些文化生活片段中的细节，不同的文化，不同的背景，具有不同的处理手法。
2. 摄影者采用的是一种你从未想到或者观赏到的视角。
3. 摄影者能够娴熟的驾驭自然光，即使用到人造光也能与自然光相得益彰，极为自然，难以区别。
4. 摄影者能够将光影的变化与事物主体的感情相互交融
5. 摄影者注重还原原始的细节，而将人造的后处理元素降到最低。

这五个特征，是我一直以来总结出来的鉴赏标准，有些是在许多摄影大师的讲座上提出过的，有些则是我大量临摹和学习的经验总结。我希望这些经验能够帮助读者扩展阅历，广泛积累，为将来从量变到质变的突破做好准备。其实，说白了，摄影的积累跟其他艺术的积累一样，”熟读唐诗三百首，不会作诗也会吟“。独立割裂地来看构图的艺术，是一项艰深而莫测的主题，但是当你的积累达到一定程度而变得”脑中有货“的时候，你就会灵感频现，自然浮现出一些颇具个性的想法。退一万布来讲，即使你无法实现革命性的创新，你能够将有限的一些独特的技法通过自己的双手演绎出来，你已经脱离了一般摄影师的阵营，而让自己卓尔不凡，鹤立鸡群。

我忽然想起以前我遇到的一位小有名气的人像摄影师（名字我一时半会没想起来），他曾经不止一次地对身边向他讨教经验的初学者们提到，摄影是门靠实践不断磨练的技术，如果你还从来没有拍烂过一个快门（一般入门机是5万左右，专业机在10万以上），那么你是绝对不会有太多的经验和感悟的。虽然他的结论似乎有些极端，但是细细想来不无道理。很多读者在拍了一些时间，迫不及待地要升级器材的时候，到底有几个人是真正用心去学习，去拍摄超过这个快门数目的片子的？如果读者花大把的时间只是来上网阅读，只是来看别人的片子，甚至来看什么器材好，什么镜头毒，而把自己的器材放在一边落灰，那是永远不可能有质的突破和长足的进步的。有些读者很关注我的这个系列，希望我不断地尽快推出新的一章，我十分感谢并且表示理解，但是我更希望他们不要急于求成地以为非要读完整个系列，才有足够的信心或者资本去外拍，去锻炼，这是不对的。读者在读完每一篇之后，都需要花费大量的时间去练习拍摄，去总结失误，而不是整天坐在那里刷屏来期望着学习更多的东西，或者拍完的片子扔在一边，看也不看。从简单的出发，一步步去深入，才能领会到其中的奥妙。

望广大读者广泛涉猎，仔细研习，多拍多练，经年累月之后，必有所成！

silentwings
2012年2月10日夜于美国特洛伊市

摘自色影无忌：
http://forum.xitek.com/thread-969357-1-9-1.html

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